DOOR

私たちは、この商業/資本主義のムードから
作品を守ってやらねばならない。

京都・亀岡市にて、障害者の施設を運営している“みずのき美術館”から依頼されたこの仕事は「障害者と健常者の間にある見えない壁を
越えてコミュニケーションをしていきたい」ということだった。その1つの手段として障害者芸術の普及と認知が必要だということで
障害者の芸術展を開催する。そのアートディレクション及び、展示に関わる様々な媒体のデザインを受けた。

障害者という表記はとても不自然であるにも関わらず、障がい者と表記しなければならなかった。
これは害という字の意味に寄るところが大きいと想像できるが、しかし、だからといって余計に目立ち、
気になる不自然な文字表現にすることが正しいことなのか分からない。
また障害者の芸術は、アールブリュットやアウトサイダーアートやエイブルアートなど、色んなカタカナ固有名詞になっていて、
どれが正しいワードなのか分からず、混乱を招きかつ、認知度向上を抑制している。
このように、障害者と健常者の間には、簡単には取り払えない何かがたしかに存在している。そしてそれを越えたいと言っても、
たとえば展覧会を開催した程度のことで乗り越えられるとは思えなかった。

またさらに障害者の芸術の社会での置かれ方は雑で、この仕事を始める前にいくつかの展覧会を見て回ったがその多くは気遣いに欠けていた。
(具体的にはキャプションがスチレンボードの切りっぱなしであったり、照明がきちんとあたっていなかったり、
簡易の事務用とも思える仕切り板が空間を仕切っていたり展示壁になっていたり、した)。心ない展示だった。
それは言わば、展覧会をしたという「事実」が必要で、展覧会の質や来場者の気持ちを考えているとは思えなかった。
そのようなことからヒントを得て、デザインがスタートした。
ぼくは思うんだけど、既に同類の事例があって、しかもそれには問題点がたくさん見受けられる仕事は、すごく楽だと思う。
問題点を発見して、改善すればいいだけなのだから。

この仕事の最初の難関は展覧会の会場がすでに決められていて、そこが美術展にはおよそふさわしくない、商業目的の施設であったことだ。
普段は企業の説明会や物産展等の催しに使われている。そういう用途には便利だろうし合っているが、照明は蛍光灯のみだし、
床もなんていうか、ああいうのだし、で困った。
私たちは、この商業/資本主義のムードから作品を守ってやらねばならない。そうしないと作品が泣く。一杯のコーヒーでさえ、
紙コップのデザインや手触りで味が変わる。同じことだろう。
この空間の中にもう1つ空間をつくるしかないと思った。そしてそれぞれの作家に対して1つ小屋を建てることにした。
自然とその小屋の入口にドアをつけるかどうかという議論になった。その時に健常者と障害者の間のドアについて考えてもらえるように思い、
タイトルを“DOOR”にしようと決めた。そのため、シンボルマークとロゴタイプはドアを大胆に用いてデザインした。

このドアがあることを人に知ってもらうこと
このドアの奥のことを人に見てもらうこと
このドアについて人と人が話すること
このドアの大きさ、色、形が何十年後かに変わること
このドアがなくなること。

いま、見えないドアをデザインすることが
正しいことなのか、分からない。
分からないから
小屋だけを作って人を招待してみようと思います。

もう1つの難関は、この展覧会を制作することで、作家はどう思うのかということが、誰にも分からないということだった。
知的障害者は話ができない人が多いし、自分の考えていることを言葉で説明することは難しい。だからこそモノをつくるのかもしれないが。
作家に対して作れないというのは自分のモチベーションのやり場に困った。そして結論として、その親や周囲の人に喜んでもらうぞ
ということを個人的な目標にした。

この仕事の過程で、障害者施設の絵画教室に参加させてもらったり、作家や家族や、いつもお世話している人とお話することもできた。施設の置かれている経営状況などを知るにつけ、
この社会の中でもっと参加できる仕組みをデザインすることの役には立ちたいなと思うようになった。
これまでほとんど関心がなかったため、それは新しい自分に出会えたような感覚だった。
こんな風にデザインは私たちを色んなところに連れていってくれる。

じんれいのひとりごとソング(P.23)は、じんれいさん自身が曲にのせて、ひとりごとを
言っているのではなく、じんれいさんがお世話になっているアトリエ(アートセンター画楽/高知)の方が、歌に合わせて自動的に曲がつくアプリとやらを見つけてきて
「ひとりごとソング」を完成させたのだそうだ。とても素敵なことだと思った。ただのひとりごとに額をつけたら、作品になったというわけだ。この感覚って面白い。
作品でなかったものを作品とする、これもひとつの“見立て”だろう。
じんれいさんのみならず、ここに載っている作品たちはどれも魅力的なものばかりだ。素晴らしすぎて敵わない(素敵)。そして発見したことは、それらはおそらく全て、
作者でない人が“見立て”て作品にしているということ。描いたり切ったり貼ったりするのは作者がしたことだけど、最後に額をつけるというか判子を捺すというか、名前をつけるのは、
他の人なのだ。その最後の一滴が、ささやかだけど確かに、作品をより魅力的にしているとぼくには感じられる。
その一滴は「作品にしてやろう」という目論みではなく、作者に対しての個人的な優しさであり、思いやりから出発している。
つまり愛に類することだ。それってとてもロマンチックな話で、そのあたりのことまで想像するのは、障害者の芸術の愉しみ方の1つかもしれない。

We needed to protect the art pieces from this market/capitalistic mood.

In Kameoka City, Kyoto, Mizunoki Art Museum, which run a facility for sho-gai-sha or people with disability asked us that they want to communicate beyond the invisible wall between people with disability and people without disability.
As a way to do that, they planed an art festival of people with disability because there is a necessity of better understanding of art by people with disability. We were asked for art direction and designing the exhibition.

The word sho-gai-sha in Japanese include a Chinese character that means harm, therefore, it is unnatural so we had to write it with Hiragana, they said.
However, I am not sure if it’s a right answer because it stands out unnaturally.
Art by people with disability also has being called as art brut, outsider art and able art so it is getting harder to tell which one is right word and more confusing, and it’s resisting to disseminate the genre itself.
As you can see, it’s true that there are a wall that is hard to remove between people with disability and no-disability. Even if you say you want to go beyond that, I didn’t think that you could do that by having art shows.

The society places art by people with disability miscellaneously. I went to see some art shows, but many of them lacked the sense of care.
(For example, captions were cut-off styrene board, lighting was off, and office dividers were used etc.) It lacked of heart.
It seemed, to me, as if they just needed the fact that they did the show, but did not care about the quality of the show and audiences.
Having these as inspirations, our design began.

One of the difficulties of this project was that the venue was already decided, and the space was not ideal for an art show at all. It was for commercial use.
The space was usually used for company and market/Industry events. I am sure it’s perfect for these events, but the lightings were florescent and the floor was, well, that kind... so it was trouble.
We needed to protect the art pieces from this market/capitalistic mood. Otherwise the art would cry.
Like a cup of coffee, the design of a cup can change the taste of coffee. They are the same thing,
I thought we have to create a space within the space. We then decided to build a room for each artist.
Naturally, we discuss whether the rooms need doors or not. At that time, we decided that we wanted audiences to think about the doors between people with disability and people without disability.
So we named the show DOOR. Therefore, we designed symbols and logos of doors.

Knowing that there are these doors
Seeing behind the doors
Talking about these doors
Changing the size, color and shape of these doors for next decades
Eliminating these doors.

We don’t know if designing invisible doors is the right thing, yet.
We don’t know, that is why we though of inviting people to these small rooms.

Another difficulty was that no one knew how the artists would think about the exhibition.
Many of the people with intellectual disability could not talk and maybe that’s why they make art, but for them, it was hard to explain about their work.
For me, it was challenging to keep motivated since we could not make it with the artists. Eventually, to keep going, I decided that I wanted to see the happy faces of people and parents of the artists.

Through this project, I got to participate painting classes at the institutions of disabilities, and talk with the artists, their family and people who take care of them.
As I learned about struggles of these institutions such as financial issues, I started to feel that I wanted to be a part of the designing the structure that more people can be part of.
I did not have interests in this field, it was like knowing about new myself.
Just like this, design leads us to different places.

In Jinrei’s Soliloquy Song (page 23), he wasn’t talking along the music, but it was made by an app, which create music based on your singing. It was found by Jinrei’s caretakers at his studio (Art Center Garaku in Kochi).
I thought that’s beautiful. Framing a song and it became an artwork. It’s interesting feeling.
Transforming something into an art piece. That’s a way of finding.
Not only Jinrei, but all the work here are very attractive. It’s just so great.
I also discovered that all of them, probably, were found by someone else to make it an artwork.
The artists did drawing, cutting and pasting but someone else gave a name or mark.
The last mark does not mean giving them validation; it is more like a kindness to the artists. It begins with a sense of care.
It is, therefore, about love. It’s romantic and imagining that far might be a way to enjoy art by people with disability.